Звукорежиссёр Дореули: В кино важно не качество, а место звука
Один из основателей студии «Атмосфера», супервайзер, дизайнер звука, звукорежиссер Павел Дореули, провел лекцию на выставке CPS 2022, которая прошла 23-25 марта на территории столичной киностудии «Амедиа». Тема – «Разработка звуковых решений в современном кинопроизводстве».
Компания «Атмосфера» – одна из ведущих студий звукового постпродакшна в России, она отвечала за звуковое оформление таких фильмов, как «Разжимая кулаки» Киры Коваленко, «Северный Ветер» Ренаты Литвиновой, «Конек-Горбунок» Олега Погодина, «Дылда» Кантемира Балагова и др.
В ходе мероприятия Павел Дореули рассказал о тонкостях монтажа и звукозаписи, показал, как можно максимально оптимизировать процесс постпродакшена, и поделился опытом работы над большими проектами.
В начале своего выступления спикер обозначил основные проблемы российского кинематографа. По его мнению, после распада Советского Союза отрасль вошла в новую технологическую эпоху, отбросив богатую режиссерскую школу предшественников. Переход с аналогового кино на цифровое совпал с перестройкой экономического и политического уклада в нашей стране.
«Люди, которые делали какие-то очень значимые проекты, в один момент поняли, что просто не могут больше работать на том оборудовании, которое целиком стало цифровым. Появился человек-монтажер. И это, конечно, нарушило преемственность по звуку. Дальше мы росли-росли, учились у иностранных коллег и постепенно пришли к тому, что мы уже сами можем делать даже такие сложные технологические вещи, как звуковые эффекты и, главное, перезапись – самый сложный процесс, сведение всех звуковых компонентов фильма в единое произведение»», – пояснил Дореули.
Ешё одна значимая проблема – это «недогретые» и «перегретые» проекты. Перегретые – когда есть крупный бюджет, но он используется не на те вещи и не поднимает качество производства. А недогретые – это проекты с хорошей идеей, но очень маленьким финансированием. В обоих случаях для команды очень важно правильно организовать работу и распределять время на различные задачи.
По словам Дореули, в американском кинопроизводстве используется совершенно другой подход, в том числе благодаря большому финансированию. В России иная ситуация: кинематографисты стараются изначально не делать ничего лишнего, минимизировать задачи. И в 60% процентов случаев такой план действий отлично срабатывает и дает высокий результат.
Кроме того, Дореули отметил, что работа над звуком – это очень сложная субъективная работа, в ней важна роль автора. Неважно, хорошо вы записали звук или плохо, самое главное – поставить его в «нужное» место, иначе сцена просто не будет работать.
«Любая сцена строится на динамике: где-то уходит музыка, где-то появляются фоны, потом они снова должны улететь, потом должна вступить речь, потом мы должны сделать какой-то акцент. Если это все оставить на одном уровне, то мы просто перестанем замечать какую-то там паузу, птичек за окном, эффекты начнут перекрывать реплики, соответственно музыка перестанет читаться, потому что ее перекрыли эффекты и так далее. <…> Очень часто мы продаем какое-то ощущение, поэтому в кино, в отличие от музыки, мы не можем заморачиваться над качеством звука как такового, в кино мы в первую очередь думаем над местом звука. Я могу привести массу примеров, когда у вас идеально записан звук, но он стоит не в том месте и просто не работает», – пояснил эксперт.
При этом сам звук не несет такой ценности как, например, музыка. Он всегда вторичен изображению. По словам Павла Дореули, у композитора всегда есть референсы, он может прийти в зал и послушать, как звучит оркестр, сравнить запись с живым исполнением. В кино же совсем другая история:
«У вас нет референса, как звучит ворона, ворона звучит как угодно, вы ее слышали в совершенно разных местах. Вы знаете, что это ворона, но я могу привести вам массу примеров записей вороны, где вы не поверите, что это она. Это и не нужно. У нас нет задачи передать звук таким, какой он есть. Это все время обман для зрителя, звук очень вторичен относительно картинки. Он всегда ведет и подталкивает человека к тому, чтобы воспринять историю, воспринять то, что заложено в репликах, в музыке, в изображении, но никак не в шумах или саунд-дизайне. Шум – это вспомогательная вещь», – продолжил спикер.
Павел Дореули напомнил о важности соблюдения соответствия звука его источнику.
«Когда мы придумываем звук, каких-то животных, персонажей, мы не должны скачивать какое-то “бла-бла-бла” и говорить: вот так у нас разговаривают инопланетяне. Это должно как-то сочетаться с тем, что мы видим на экране. Не получится звук котенка выдать за звук динозавра, потому что само формирование звука в костях и носоглотке котенка звучит как у маленьких животных с маленькими мордочками. А большие штуки ближе к крокодилу, слону, там, где большой череп, много резонансных полостей, поэтому давайте смотреть среди рептилий. Классический звук Тирекса в “Парке юрского периода” – это единственный раз, когда у Гэри Райдстрома получилось записать слоненка, который потерял маму и кричал в джунглях. Они потом за этим слоненком гонялись, чтобы записать что-то еще, но у них ничего не получилось», – привёл примеры лектор.
Он также рассказал о важности качественной звукозаписи и поделился лайфхаками. Например, необходимо всегда записывать звук на несколько микрофонов, даже если объект находится в статичном положении. Это позволяет в момент тихой фазы использовать одну часть микрофонов, которые настроены более чувствительно, а во время громкой фазы – вторую часть, которые настроены под реплики или выстрелы. Таким образом звук не будет перегружен, и у вас появится возможность сделать качественный детализированный фон. При записи движущегося объекта, например машины, запись на большое количество микрофонов также помогает разнообразить звуковую дорожку.
«Мы едем всегда тремя группами, если автомобиль движется, как показано на картинке, то мы завешиваем его этими микрофонами, и за один проезд вы получаете сразу четыре точки. Отъезд, проезд, проезд, проезд. Дорожек получается очень много для звукового производства, особенно если у вас есть погоня, вы в любой момент можете переключиться на одной фазе движения машины на любой микрофон: внутри, снаружи, выхлопную трубу, шуршание шин и так далее», – пояснил лектор.
Также в ходе мастер-класса звукорежиссер рассказал, что современные технологии позволяют записывать звук на более высоких частотах, которые недоступны человеческому слуху. Такой способ помогает создавать естественное, более глубокое звучание.
«Если я запишу звук со стандартной частотой и просто его занижу, то у меня получится подводный эффект. То есть у меня никаких частот сверху нет, я его снижаю на две-три октавы, и у меня сверху ничего не остается, только пустота. Соответственно, звук как будто отрезанный. А когда вы пишете гораздо выше, чем слышимая частота, то снижая его на октаву и больше, у вас в слышимую область попадают те звуки, которые не слышны, и создается более естественное звучание», – отметил Дореули.
Вторую часть лекции спикер полностью посвятил медиаменеджменту и разным подходам в организации кинопроизводста. Он назвал несколько действенных способов, которые помогут сэкономить время и ресурсы, а также вывести проект на более высокий уровень. Во-первых, можно перейти от горизонтального подхода к картине к вертикальному. Такая организация позволяет обезопасить сотрудников от эмоционального выгорания и рутины.
«Горизонтальный – это когда вы выделяете одного-двух человек, которые делают фоны во всей картине. Это в принципе звучит очень логично, человек понимает эту картину, он общается с режиссером, с супервайзером, он в материале и как-то движется. На самом деле, он движется в некоем сферическом вакууме, который называется “фоны”, то есть весь его мир, вся вселенная – это только фоны. Ну как в американской концепции, плевать, что там будет висеть картина, давайте заштукатурим всю стену и повесим столько картин, сколько вы хотите. Наша концепция в том, что мы сразу пытаемся понять, что вот тут картина, тут картина, давайте сэкономим штукатурку и нашу работу», – подчеркнул звукорежиссер.
По его мнению, такой подход – единственный на сегодняшний день путь для российского кинематографа, чтобы он соответствовал зарубежным проектам по качеству. Следовательно, не один человек отвечает за все фоновые звуки в фильме, а несколько универсальных специалистов в команде полностью озвучивают сцену или целый отрывок «под ключ».
Другое важное изменение в распределении ресурсов – это проблема записи синхронных шумов. Работая на студии Мосфильма над картиной «Солнечный удар» Никиты Михалкова, Дореули заметил, что, чем дольше они записывали шумы, тем больше человек, отвечающий за них, уставал и «тускнел».
«Например, если нужно записать шаги, то ему нужно пройти по твердой поверхности, потом по шаркающей поверхности, потом пройти с амуницией, чтобы был звон, потому что он обвешан как новогодняя елка всякими мечами, латами, потом какая-то сумка у него бьется, и ты просто понимаешь, что за этим лесом не видно деревьев», – рассказал звукорежиссер.
Решение оказалось простым и очень эффективным – отказ от записи шумов для второстепенных героев, и вместо этого – концентрация на центральных персонажах. Это позволило не только значительно сократить количество смен, но и повысить качество оставшихся интершумов, добавить детали и расставить важные акценты. С этого момента началась идея вертикального монтажа, чтобы максимально сосредоточиться на том, что нужно, а не тратить энергию на то, что не нужно.
«Это же характер – то, как человек идет, то, что он вкладывает в свои действия, можно по одному звуку шагов, одежды поменять портрет героя. Достаточно одному добавить шпоры, и вы поймете, что в этой сцене он главный, потому что звук шпор более доминантный. Если человек неприятный, можно добавить ему какой-то скрип, шарканье. Разумеется, из зрителей никто не сделает себе галочку “да, это было сделано специально”, но подсознательно звуковая память отметит это как еще один плюс неприятности персонажа», – пояснил эксперт.
Кроме того, процесс постпродакшена требует высокой точности и аккуратности. И иногда, отвлекаясь на какие-то мелкие технические процедуры, монтажер может потерять много времени и ресурсов. Также, по словам лектора, работа должна всегда быть интерактивной, все проекты необходимо обсуждать с коллегами, чтобы найти общие решения для насущных проблем.
По этой же причине Павел Дореули не приветствует сложившуюся сейчас систему «супервайзер – дистанционные работники», так как в такой ситуации сотрудники выгорают, а из-за узкой специализации их не всегда хватает на каждый проект. По его мнению, нужно создавать единое технологическое пространство.
«Мы решили первым делом отказаться от такого подхода и организовали на базе Мосфильма на втором этаже более 10 монтажных, и наша идея была собрать всех ребят, которые готовы перейти с удаленного режима в офлайн-формат, чтобы видеться каждый день, работать на одном оборудовании, с единым центром хранения. Это очень важно, потому что унификация шаблон-сессии, того, как вы все это называете, как иерархия проекта формируется – это все на самом деле снимает массу проблем», – резюмировал спикер.
В заключение Павел Дореули подчеркнул, как важно использовать гибкий метод организации производства. В первую очередь это интерактивность, расформирование цели на задачи, оценка сложности каждой из них. Все это поможет сэкономить бюджет, повысить эффективность сотрудников и уложиться в сроки.
Текст – Елизавета Хисамиева
